Le nouveau spectacle de Vinyl Factory est une lettre d'amour à la musique, à l'art et au design
Pendant des décennies, l’une des voies les plus courantes pour devenir graphiste a commencé par la musique. Les pochettes de disques – en particulier à l'ère du vinyle – ont fourni une toile démocratique qui a fait sortir l'art et le design des galeries et les a directement introduits dans les foyers. En conséquence, de nombreux designers citent Peter Saville et Vaughan Oliver comme des influences clés dans leur découverte de l’industrie.
Alors que la technologie numérique et les géants du streaming ont pris le pas sur la musique, l’un des grands changements a été la diminution du rôle de l’art et du design. Il existe encore des artistes qui reconnaissent son pouvoir et l’adoptent, mais l’investissement dans le design par les maisons de disques semble désormais une niche par rapport aux décennies précédentes.
Cependant, The Vinyl Factory est une organisation qui défend toujours fermement le drapeau du disque et du design. Au cours des 20 dernières années, elle s'est bâtie une réputation de collaboration pionnière entre artistes et musiciens. Bien que sa production se présente principalement sous la forme de vinyles en édition limitée, le groupe s'est également diversifié dans les expositions ces dernières années.
Reverb, qui se déroule jusqu'en septembre, est la dernière installation de The Vinyl Factory dans les 180 Studios de Londres. Situé dans un espace labyrinthique de couloirs sombres et d'espaces interconnectés, le spectacle dégage une atmosphère de club convenable, avec les sons des différentes expositions se fondant les uns dans les autres et vous invitant à travers l'espace.
L'exposition présente des collaborateurs réguliers de Vinyl Factory, dont Stan Douglas, dont le film épique Luanda-Kinshasa, précédemment présenté dans l'émission VF The Infinite Mix, réapparaît ici, aux côtés d'une œuvre supplémentaire de l'artiste. Jeremy Deller, qui a créé un certain nombre de versions en VF et est également apparu dans The Infinite Mix, présente Everybody In The Place : An Incomplete History of Britain 1984-1992, dans lequel il donne une conférence à des étudiants de niveau A sur le socio -l'impact politique de la culture rave et du « deuxième été de l'amour ».
L'artiste et cinéaste Jenn Nkiru assume ensuite le rôle éducatif avec une vision élégante de l'histoire de la techno à Détroit, tandis que d'autres artistes explorent la culture de la danse, du dancehall jamaïcain au ballet.
Certaines œuvres ici, notamment les installations d'Es Devlin et Hito Steyerl, s'orientent davantage vers l'art, la musique agissant comme une bande sonore plutôt que comme un thème essentiel de l'œuvre. Bien que fortes en tant qu'œuvres d'art individuelles, elles ont moins de sens dans le contexte des autres œuvres ici, l'exposition prenant vraiment vie dans les moments où elle fétichise l'amour de la musique et du design.
La Vinyl Factory elle-même profite de l'occasion pour montrer ses propres produits, via une exposition de 100 sorties de disques présentées dans une installation conçue par Ben Kelly, célèbre pour son travail pour la discothèque Haçienda de Manchester. Les œuvres de Theaster Gates et Virgil Abloh célèbrent l'expérience de la musique en tant qu'art via une scénographie de Gates, qui est utilisée pour accueillir des performances en direct pendant le déroulement du spectacle, et une installation de boombox rose à pointes d'Abloh.
Le point culminant de l'idée de la musique comme expérience sacrée arrive à la fin de l'exposition via une installation de Devon Turnbull, intitulée Hifi Listening Room Dream No 1. Les visiteurs sont priés de retirer leurs chaussures avant d'entrer dans la salle recouverte de moquette, qui présente le puissant parfum d'encens, un mur d'enceintes et une platine vinyle. Servant de salle de détente ultime, le son est impeccable, l'installation rappelant la qualité transcendantale de la musique et l'importance de prendre le temps de s'arrêter, d'écouter et de s'éloigner du monde frénétique extérieur.
